Espetáculos visuais que transcendem a melodia, transportando os ouvintes para um universo onde a música ganha vida. Esta é uma celebração dos videoclipes que marcaram época, elevando a música a um patamar extraordinário através de narrativas envolventes, coreografias incríveis e inovações visuais. Prepare-se para uma jornada através dos tempos, onde a harmonia entre som e imagem atinge seu ápice, apresentando os 25 melhores videoclipes que deixaram uma marca inigualável na história da música e da cultura pop.
Cada clipe nesta seleção é uma obra-prima cinematográfica por si só, transcendendo as barreiras do convencional para nos proporcionar experiências visuais inesquecíveis. Dos icônicos passos de dança à cenários surreais, cada videoclipe conta uma história única que complementa e enriquece a música que o acompanha. Esta lista é uma ode à criatividade, à ousadia e à capacidade de transformar uma simples canção em uma experiência sensorial completa. Prepare-se para uma viagem fascinante pelos corredores da cultura pop, onde cada videoclipe é mais do que uma mera representação visual da música – é uma expressão artística que desafia os limites da imaginação. Deixe-se envolver pela magia do audiovisual enquanto exploramos os 25 melhores videoclipes de todos os tempos.
#25 – Yeah Yeah Yeahs, Maps
O vídeo que acompanha a intensa faixa do Yeah Yeah Yeahs encapsula de maneira única a dualidade do renascimento do rock em Nova York nos início dos anos 2000. O clipe retrata a banda tocando em um cenário que se assemelha ao refeitório de uma escola em meio a uma platéia sentada e aparentemente indiferente. Enquanto Nick Zinner, com expressão séria, extrai a melodia sinistra de sua guitarra e o baterista Brian Chase dá vida ao ritmo primal da música, Karen O chora visivelmente enquanto canta: “Espere, eles não te amam como eu te amo”. Surpreendentemente, as lágrimas de Karen O eram autênticas, como a vocalista confessou à NME. Ela apareceu que seu namorado na época, Angus Andrew, do Liars, estava programado para comparecer à gravação, mas estava três horas atrasado, justamente quando ela estava prestes a sair para a turnê. Karen O não esperava que ele aparecesse, e a canção era dedicada a ele. Quando ele finalmente chegou, ela estava emocionalmente abalada, resultando em um estado genuíno de vulnerabilidade durante a performance.
#24 – Jayz, 99 Problems
Jay-Z não ficou satisfeito com os vídeos de seus dois primeiros singles do álbum “Black Album”, levando-o a chamar Mark Romanek para dirigir o clipe mais brutal e sombrio de sua carreira, capturando o Brooklyn em sua forma mais densa e obscura . O rapper expressou na época: “Você sabe como um fotógrafo pode fazer uma parede irritada parecer arte? Isso é o que eu queria.”
Romanek optou por filmar o vídeo em preto e branco, utilizando uma série de imagens vertiginosas e móveis que abrangem locais emblemáticos, desde a Ponte do Brooklyn até Marcy Houses e Bed-Stuy. O clipe seu chega clímax com uma cena chocante de Jay-Z sendo assassinado, um momento tão impactante que levou a MTV a transmitir uma versão editada, acompanhada por um aviso desencorajando a exibição de imagens de armas em vídeos.
#23 – Young Thoug, Wyclef Jean
Quando a colaboração com uma estrela do rap não sai como planejada, a solução é criar um videoclipe icônico sobre os desafios enfrentados durante o processo. Em “Wyclef Jean”, “narrado” pelo codiretor Ryan Staake, o vídeo se torna um festim criativo com os fragmentos deixados para trás quando Young Thug falha em aparecer no dia da filmagem do vídeo, que custou 100 mil dólares. Uma edição estratégica, piadas perspicazes de texto e um humor seco dão vida ao vídeo. Staake ponderou em uma entrevista à Rolling Stone: “Eu me perguntei se [Young Thug] está chateado comigo ou se ele é do tipo, ‘Esse cara realmente jogou algo da bunda e funcionou muito bem’ e está empolgado com isso”. O vídeo parece ser uma provocação ao mundo da produção, da indústria musical e das celebridades, destacando a habilidade de lidar com imprevistos com criatividade e humor.
#22 – Fatboy Slim ft. Bootsy Collins – Weapon Of Choice
Um empresário elegantemente vestido está desanimado no saguão de um hotel, mas ganha vida ao ouvir música – e, de repente, ele está dançando, sapateando e pulando de maneira animada por todo o edifício. Uma ideia encantadora, especialmente quando a música é o eletro-funk de Fatboy Slim e Bootsy Collins, e o dançarino é ninguém menos que Christopher Walken, que adquire um toque de “febre de sábado à noite”. Você entra em uma fantasia irresistível de videoclipe.
“Weapon of Choice”, a segunda colaboração entre Fatboy Slim e o diretor Spike Jonze, torna-se ainda mais surreal, especialmente quando Walken, conhecido por seu olhar inexpressivo e misterioso, começa a voar pelo saguão de um hotel em Los Angeles, onde o vídeo foi filmado. O clipe retrata aqueles momentos em que todos desejamos liberar-nos das restrições do cotidiano e deixar-nos levar – pelo menos até que a música termine e Walken (como todos nós) retorne à sua cadeira, ponderando sobre o que fazer a seguir.
#21 – DJ Shadow – Nobody Speak feat. Run The Jewels
“Você quer ouvir uma boa piada? Ninguém fala, ninguém se engasga.” O visionário caçador de samples, responsável por apresentar o mundo com “Apresentando…..”, retorna com Run the Jewels para lançar rimas densas e conteúdos repletos de insultos (direcionados à turma do Peanuts, a Trump e até à mãe de alguém ) sobre uma batida séria. O diretor Sam Pilling eleva a aposta no videoclipe, colocando todas as ameaças de El-P e Killer Mike na boca de políticos idosos e brancos em uma cúpula no estilo das Nações Unidas. Diversos lacaios, incluindo RTJ e DJ Shadow disfarçados com uma peruca de qualidade questionável, observados atentamente. Logo, as mesas são viradas, os sofás são desferidos, um porco corre solto, e uma batalha real bipartidária se desenrola. Há até um momento quase simbólico em que alguém quase apunhala outro no coração com uma bandeira americana.
“Queríamos criar um vídeo positivo e afirmativo da vida que capturasse os políticos em seu melhor ano eleitoral”, expressou Shadow. “Em vez disso, conseguimos isso.” O resultado é uma obra que, de maneira irônica, mergulha na tumultuada dinâmica política e social, destacando a intensidade do confronto em uma esfera surreal e impactante.
#20 – Radiohead, Paranoid Android
Quando Thom Yorke chamou o cartunista sueco Magnus Carlsson para criar um vídeo para “Paranoid Android”, ele deliberadamente enviou apenas uma versão instrumental da faixa do álbum OK Computer como orientação. Yorke, admirador do desenho animado de Carlsson, “Robin”, gostaria que o vídeo apresentasse os personagens, mas sem a inclusão de porquinhos da Gucci, androides ou elementos diretamente retirados das letras. O resultado foi uma aventura caracteristicamente bizarra protagonizada por Robin e seu amigo Benjamin.
Yorke explicou: “É realmente sobre a violência ao redor de [Robin], que é exatamente como a música. Não é a mesma violência específica da letra, mas tudo que acontece ao seu redor é profundamente perturbador e violento, mas ele está apenas bebendo até cair no esquecimento. Ele está lá, mas não está lá. É por isso que funciona.” O vídeo, assim, transmite a atmosfera inquietante e perturbadora da música, criando uma experiência visual que complementa a intensidade da faixa.
#19 – Prince & The Revolution, Kiss
Prince foi feito para os videoclipes, e os videoclipes foram feitos para ele: o Purple One foi o primeiro superstar americano da MTV, antes mesmo de Madonna ou Michael Jackson. Quando ele lançou “1999” em 1982 – uma música que as rádios tinham recebido de tocar -, ela se tornou tão onipresente na MTV que a rede a apresentou em seus próprios anúncios de demonstração em estéreo. O videoclipe de “Kiss”, lançado em 1986 como parte de seu álbum “Parade”, destaca Prince em sua forma mais brincalhona e sedutora, interagindo com a guitarrista Wendy Melvoin e a dançarina Monique Manning.
Em uma época em que grupos de censura eram ativos, Prince transformou “Kiss” em um burlesco pró-sexo, muito engraçado para ser contestado, apresentando um convite irresistível: “Talvez pudéssemos fazer o twirl?” O vídeo, assim como a própria música, reflete a natureza provocativa e inovadora de Prince, consolidando sua presença como um ícone da era dos videoclipes.
#18 – Duran Duran, Hungry like the Wolf
Ninguém soube aproveitar os primeiros dias da MTV como o Duran Duran. Em 1984, o mago dos sintetizadores, Nick Rhodes, afirmou à Rolling Stone: “O vídeo para nós é como o estéreo era para o Pink Floyd. Era novo, estava simplesmente acontecendo. E vimos que ideias fazer muito com isso.” Os cinco rapazes andróginos, capturados no filme, entregaram-se ao olhar feminino. Eles abordaram o novo formato com talento e sagacidade, viajando para locais exóticos como Sri Lanka e Antígua com o diretor Russell Mulcahy.
“Hungry Like the Wolf” deu início à trilogia carioca, seguida por “Rio” e “Save a Prayer”. No vídeo, Simon Le Bon corre pela floresta tropical em busca de uma musa (a modelo bermudense Sheila Ming) que deixa marcas de garras em sua garganta. Enquanto isso, John Taylor rouba a cena com sua escolha de moda sensata, um blazer branco que ele se recusa a abotoar. O Duran Duran não apenas aproveitou a ascensão da MTV, mas também deixou uma marca rigorosa com sua abordagem visual inovadora e estilo único.
#17 – Missy Elliott, The Rain (Supa Dupa Fly)
“The Rain” não foi apenas o single de estreia de Missy Elliott; foi também a primeira colaboração da icônica rapper com o aclamado diretor Hype Williams. Nessa fase inicial, a dupla já estava suficientemente à vontade uma com a outra para criar algo que estabeleceria um precedente para o futuro dos videoclipes e daria o tom para o resto da carreira progressista de Missy. O vídeo, que conta com participações especiais de artistas como Lil Kim, Diddy, Da Brat e o produtor da música Timbaland, entre outros, faz uso intenso de lentes olho de peixe enquanto a rapper se move por uma série de cenas surreais.
A cena mais icônica é Missy Elliott vestida em um macacão inflado semelhante a um saco de lixo preto – uma fantasia que se tornaria popular em festas de Halloween nas décadas seguintes. “A roupa era um símbolo de poder”, disse Elliott mais tarde à Elle. “Eu amei a ideia de me sentir como uma mulher Michelin do hip-hop. Eu sabia que poderia usar um traje inflável e ainda ter as pessoas falando sobre isso.” O clipe não apenas deixou uma marca duradoura, mas também ilustrou a visão única e vanguardista de Missy Elliott no mundo da música e dos videoclipes.
#16 – The White Stripes, Fell In Love With A Girl
Michel Gondry, conhecido por sua reputação de mágico dos videoclipes, após trabalhos notáveis como “Around the World” do Daft Punk e “Star Guitar” dos Chemical Brothers, elevou seu status a um novo patamar ao transformar a dupla White Stripes em… peças de Lego. Em 2002, a coragem de capturar meticulosamente os movimentos das Listras em stop-motion com cores bloqueadas foi suficiente para tornar o vídeo icônico. (A Third Man Records até vende um kit de blocos “Fell in Love With a Girl” com o qual os fãs podem recriar o efeito por conta própria.) Esse feito é ainda mais impressionante considerando quão distintas as imagens de Jack e Meg são capturadas em 2D. Esta colaboração é apenas uma entre várias entre Gondry e os White Stripes, incluindo “The Denial Twist” e “The Hardest Button to Button”.
#15 – a-ha, Take On Me
A cena: uma garota solitária sentada em uma lanchonete, lendo sua revista em quadrinhos sobre as aventuras do arrojado trio norueguês de synth-pop A-ha. No entanto, a jovem (interpretada pela namorada do cantor na vida real) fica surpresa quando o herói dos quadrinhos pisca para ela e a atrai para seu mundo de desenho animado feito a lápis. Os amantes brincam na terra da animação rotoscopia, sendo perseguidos por bandidos armados com chaves inglesas. Finalmente, a cantora luta bravamente para escapar do desenho animado e se reunir com ela no mundo real. Dirigido por Steve Barron (famoso por “Billie Jean”), “Take on Me” continua sendo um marco nos videoclipes – uma realização técnica deslumbrante que nunca envelhece.
Em uma nota triste, o a-ha fez uma sequência chamada “The Sun Always Shines on TV”, onde o casal se separa e ele volta para sua história em quadrinhos. Um fato totalmente não relacionado: o A-ha nunca conseguiu outro grande sucesso nos EUA.
#14 – Nirvana, Smells Like Teen Spirit
O cano alto Converse All-Star. As líderes de torcida punk com símbolos de anarquia em seus uniformes. A camiseta listrada de Kurt Cobain, usada sobre uma camisa de manga comprida. Aqueles acordes de abertura, os adolescentes indisciplinados, que vão do silencioso ao ensurdecedor e desequilibrado. O diretor Samuel Bayer jurou que o Nirvana, o trio de Seattle que ninguém na Geffen Records esperava que fizesse muito em relação à sua estreia em uma grande gravadora, o escolheu para dirigir o vídeo da faixa de abertura de “Nevermind” de 1991 porque ele teve o pior resultado de todos os candidatos. “[Ele] queria fazer toda essa história, narrativa”, disse Craig Montgomery, técnico de som do Nirvana, na história seminal do grunge, “Everybody Loves Our Town”. “Kurt só queria que a banda tocasse e as crianças enlouquecessem.”
Granulado e de aparência suja, o vídeo pep-rally-run-amuck de Bayer termina com um dos exemplos mais extáticos de libertação do mosh-pit de todos os tempos. É clichê dizer “e o resto é história”, mas é impossível subestimar a mudança radical que aconteceu quando “Smells Like Teen Spirit” assumiu o controle do rádio e, após uma estreia no 120 Minutes, a MTV decidiu adicionar o clipe em alta rotação. O single já estava atraindo atenção para o Nirvana, mas o vídeo fez com que tudo se tornasse nuclear para o grupo, ajudou a vender a noção de rock alternativo para as massas e inaugurou oficialmente a Era Grunge. “Aqui estamos agora. Entretenha-nos.”
#13 – Beyoncé, Single Ladies (Put a Ring on It)
Beyoncé quase tornou o impossível alcançável quando dedicou o vídeo “Single Ladies” a três minutos e 18 segundos de pura coreografia, na sua cara e clara como o dia, com apenas duas dançarinas ao seu lado. Veja, atuar na capacidade de Beyoncé não é realista para a maioria de nós, mas quando “Single Ladies” foi lançado, o mesmo aconteceu com os tutoriais de dança do YouTube e apresentações de dançarinas comuns. Você pode facilmente pausar, retroceder e prestar atenção aos movimentos de Beyoncé que todos aprenderam, alguns deles sendo reproduzidos por pessoas como Justin Timberlake no Saturday Night Live e até mesmo pelo presidente Barack Obama em um show inaugural.
#12 – George Michael, Freedom! ’90
A era “Ouça Sem Preconceito” de George Michael teve como objetivo destruir as concepções anteriores do público sobre seu trabalho, incluindo sua reputação como um galã da MTV carismático e agressivamente heterossexual. Nesse sentido, o vídeo de “Freedom! ’90” quase não deixa espaço para interpretação, com Michael trazendo de volta a iconografia do rock & roll de seu vídeo “Faith” – jaqueta de couro, jukebox, guitarra – apenas para vê-lo literalmente explodir em chamas.
Mas não é disso que todos se lembram sobre “Liberdade! ’90”. Dirigido por David Fincher, no que seria um dos dois projetos inovadores para ele em 1990, juntamente com “Vogue” de Madonna, o vídeo segue o caminho mais ousado possível e deixa o próprio Michael totalmente fora da tela, substituindo-o por cinco das supermodelos mais famosas do mundo (Naomi Campbell, Cindy Crawford, Christy Turlington, Linda Evangelista e Tatjana Patitz), que sincronizam os lábios com a música em um armazém londrino em tons de diamante. Pomposo? Sim. Mas, ancorado nas letras de Michael – que sugerem uma revelação tanto pessoal quanto profissional para ele – “Freedom! ’90” transformou-se em uma afirmação artística completa, do tipo que ainda parece rara no mundo dos videoclipes.
#11 – Michael Jackson, Billie Jean
“Billie Jean” foi o vídeo que chocou o mundo – uma revelação de até onde esta forma de arte poderia ir. Mostrava Michael Jackson no momento em que ele podia planar no ar, dançando em uma calçada iluminada em homenagem ao musical “An American in Paris”. Sua voz, seu rosto, seu corpo parecem assombrados por algo de outro mundo. Ele é tão frágil até começar a dançar – e é aí que de repente ele faz tudo parecer possível.
A MTV tem uma longa história de interpretar artistas negros ousados e incategorizáveis de todo o mundo: Peter Tosh, Grace Jones, Joan Armatrading, Phil Lynott, Tina Turner, aquele cara, Prince. No entanto, não havia precedente para um vídeo tão radical de uma estrela tão grande. “Billie Jean” se tornou uma sensação da noite para o dia na MTV e permaneceu em rotação constante durante anos. (Um executivo da gravadora de MJ fez a afirmação pouco convincente de que coagiu a MTV a exibi-lo, mas o canal sempre insistiu que eles colocassem o programa no ar, e as evidências parecem apoiá-los.) Seu sucessor, “Beat It”, foi igualmente impressionante, inovador, clássico; ambos os vídeos ainda lançam esse feitiço, não importa o quão horrível a história se torne mais tarde. E “Thriller” foi o épico de 13 minutos de grande orçamento que foi tratado como um evento, embora na verdade seja apenas uma viagem do ego de John Landis, sem música suficiente e sem Michael suficiente. Mas “Billie Jean” é a única. Ainda define o videoclipe em seu auge de impacto cultural e emocional.
#10 – Guns N’ Roses, November Rain
Durante a produção de “November Rain”, alguém perguntou ao baterista do Guns N’ Roses, Matt Sorum, qual era o seu papel. “Não sei, cara”, ele responde. “Você tem que perguntar a Axl. Todo esse vídeo está em sua mente.” Isso não é inteiramente verdade – Axl Rose baseou vagamente o clipe em “Without You”, um conto do amigo Del James. Mas o clipe parece um sonho febril: Rose organiza um casamento para a então namorada Stephanie Seymour, o padrinho Slash esquece os anéis, o melhor baixista Duff McKagan os mostra em seu mindinho com luva de couro, Slash se despedaça no cemitério de uma igreja, todos eles gritam. em uma recepção, na recepção chove! E inexplicavelmente o personagem de Seymour morre. Na cena mais melodramática do clipe, Seymour joga seu buquê para os convidados do casamento e as flores caem em seu próprio caixão. Nada disso faz muito sentido e nem precisa, já que evoca o clima da música, continua no vídeo “Estranged” do GN’R. “’November Rain’ é uma música sobre não querer estar em um estado de ter que lidar com um amor não correspondido”, disse Rose uma vez. “’Estranged’ é reconhecer (esse estado) e estar lá e ter que descobrir o que diabos fazer.”
#09 – Peter Gabriel, Sledgehammer
“Não tenho certeza se “Sledgehammer” teria sido um sucesso tão grande… sem o vídeo”, disse Peter Gabriel à Rolling Stone em 1987. “Acho que o clipe tinha senso de humor e diversão, nem dos quais estavam particularmente associados a mim. Embora Gabriel adorasse o surrealismo (basta dar uma olhada nos figurinos do Genesis), o vídeo de “Sledgehammer” transbordou de raros caprichos do cantor. Ele até conseguiu sorrir durante a filmagem em stop-motion dolorosamente lenta, que encontrou trens a vapor girando na frente de seu rosto, carrinhos de bate-bate felizes bagunçando seu cabelo de algodão doce, uma homenagem a Giuseppe Arcimboldo (fruta em forma de rosto de Gabriel cantando), marretas Claymation arrancando um Adam da cabeça e, claro, duas galinhas de supermercado dançando (animadas pelas mesmas pessoas que mais tarde fizeram Chicken Run ). De alguma forma, o diretor Stephen Johnson filmou tudo em uma semana. O clipe ganhou nove VMAs, incluindo Vídeo do Ano, e, segundo o site de Gabriel, é o vídeo mais exibido na história da MTV.
#08 – D’Angelo, Untitled (How Does It Feel)
Se você quer capturar a essência de uma música sobre o desejo crú e os sulcos irresistíveis, D’Angelo fez exatamente isso em seu icônico videoclipe de 2000 para a faixa “Untitled (How Does It Feel)” de seu segundo álbum, “Voodoo”. Com uma abordagem de um único take, os diretores Paul Hunter e Dominique Trenier começam com um sussurro na nuca do cantor e, de maneira meticulosa, percorrem os contornos de seu cabelo, orelhas e rosto. No entanto, os três minutos e trinta segundos seguintes focam de maneira objetiva e intensa no torso nu e escultural de D’Angelo. Essa escolha ousada é simultaneamente uma expressão criativa intrigante e uma jogada de mestre, pois permite que a música, uma homenagem a Prince com vocais suaves e grooves irresistíveis, seja o destaque. O vídeo consegue refletir de maneira envolvente a intimidade da canção ao despir seu criador e nos envolver emocionalmente.
#07 – Beastie Boys, Sabotage
O videoclipe de “Sabotage” dos Beastie Boys é uma obra-prima de homenagem à cultura pop dos anos setenta, imitando os créditos de abertura de uma série de TV da época. O trio, vestido com bigodes falsos, óculos escuros e trajes típicos da década de 1970, incorpora a estética de um drama policial da época. O clipe retrata os Beastie Boys vivendo suas fantasias de detetives, pulando entre prédios, perseguindo crimes e realizando interrogatórios. Cada membro do grupo desempenha um papel específico, adicionando um toque cômico à produção.
#06 – New Order, The Perfect Kiss
O videoclipe de “Perfect Kiss” do New Order, dirigido por Jonathan Demme, é notável por sua abordagem simples e direta. Gravado ao vivo no estúdio, o vídeo captura a energia crua e a intensidade da performance da banda. Demme, conhecido por sua abordagem humanista e por capturar a essência dos artistas em seus filmes, coloca a câmera diretamente nos rostos dos membros da banda, proporcionando uma visão íntima de sua execução. Com uma duração impressionante de 10 minutos, o clipe é uma obra-prima de esforço físico e de documentação da performance musical. A abordagem sem firulas destaca a habilidade musical e a paixão do New Order, oferecendo uma experiência autêntica aos espectadores.
#05 – Childish Gambino, This Is America
O videoclipe de “This Is America” de Childish Gambino, dirigido por Hiro Murai, é uma obra-prima visual que utiliza simbolismo e imagens impactantes para abordar questões sociais e raciais nos Estados Unidos. O vídeo apresenta uma série de cenas caóticas e dinâmicas, mostrando Gambino navegando por um mundo tumultuado. As referências e mensagens são diversas, abrangendo desde a dança até eventos históricos, oferecendo uma experiência visual rica e cheia de significado.
O clipe utiliza elementos de choque e surpresa para transmitir mensagens sobre a cultura e a sociedade, explorando a complexidade das experiências negras na América. A presença marcante de Gambino, muitas vezes sem camisa, é destacada como uma expressão de moderada e normalização da negritude.
Ao incorporar uma variedade de referências culturais e históricas, o vídeo incentiva a reflexão e análise, oferecendo diversas camadas de significado para os espectadores. A abordagem única de Murai e a interpretação de Gambino tornam “This Is America” um marco na convergência da música e da arte visual, proporcionando uma experiência impactante e rigorosa.
#04 – Madonna, Vogue
O videoclipe de “Vogue” de Madonna é um marco na cultura pop que elevou o fenômeno do voguing, uma forma de dança e expressão artística originada na cena de salão de baile da comunidade queer em Nova York. Dirigido por David Fincher, o vídeo captura a estética elegante e a energia vibrante do voguing, proporcionando uma visão visualmente impactante da cultura underground da época.
Madonna, conhecida por sua habilidade em adotar e popularizar tendências culturais, trouxe o voguing para o mainstream com “Vogue”. O vídeo apresenta coreografias elaboradas, poses icônicas e um estilo de moda sofisticado, enquanto Madonna canta sobre a busca pela fama e pela beleza. A coreografia foi desenvolvida por José Gutierrez e Luis Camacho, membros da House of Extravaganza, que eram dançarinos de voguing na cena de salão de Nova York.
“Vogue” não apenas se tornou um sucesso musical, mas também um símbolo da liberdade de expressão e celebração da diversidade. O vídeo contribuiu significativamente para a disseminação do voguing e sua aceitação cultural, abrindo portas para diálogos sobre identidade, arte e autenticidade na comunidade LGBTQIA+.
#03 – Johnny Cash, Hurt
O videoclipe de “Hurt” de Johnny Cash é uma obra-prima emocional dirigida por Mark Romanek. Este vídeo é amplamente reconhecido por sua profunda poesia visual e pelo impacto que teve ao retratar a vulnerabilidade e a reflexão de Johnny Cash sobre sua própria vida.
O clipe apresenta cenas de Cash, então com 71 anos, interpretando a música Nine Inch Nails em sua casa, proporcionando uma experiência íntima e emotiva. A atmosfera sombria é acentuada pela escolha de imagens de arquivo, incluindo vídeos do jovem Johnny Cash e momentos significativos de sua carreira. Essa justaposição de diferentes fases de sua vida cria uma narrativa poderosa sobre o tempo, a memória e o envelhecimento.
O videoclipe de “Hurt” tornou-se um testemunho visual comovente da jornada de um ícone da música, capturando a complexidade de suas experiências e emoções. A interpretação sincera de Cash e a direção artística de Romanek contribuíram para fazer deste vídeo uma peça memorável na história da música e dos videoclipes.
#02 – Beyoncé, Formation
O videoclipe de “Formation” de Beyoncé é uma poderosa expressão visual que se destaca como uma declaração marcante sobre a história negra e a resiliência da comunidade negra nos Estados Unidos. Dirigido por Melina Matsoukas, o vídeo foi lançado como parte de uma estratégia surpresa junto com o álbum “Lemonade”.
“Formation” mergulha profundamente em temas como identidade, empoderamento e desafios enfrentados pela comunidade negra. Beyoncé explora imagens simbólicas, incluindo referências à cultura afro-americana, à história da escravidão e à resistência. O vídeo também destaca questões contemporâneas, como a brutalidade policial, com uma imagem memorável de Beyoncé sobre um carro de polícia submerso.
Ao lançar o vídeo durante a primeira semana do Mês da História Negra em 2016 e realizando uma performance impactante no Super Bowl, Beyoncé utilizou sua influência para amplificar as vozes e as questões da comunidade negra. “Formation” não apenas cativa visualmente, mas também serve como uma plataforma para discussões importantes sobre justiça social e igualdade racial.
#01 – Michael Jackson, Thriler
Este clássico atemporal não é apenas um clipe, mas sim uma obra-prima cinematográfica que continua a ecoar décadas após seu lançamento.
Dirigido por John Landis, Thriller é uma verdadeira fusão de música, dança e cinema de horror. Desde o momento em que as notas inconfundíveis da música começam a ecoar, somos transportados para um mundo de suspense e emoção. A narrativa habilmente construída nos leva por uma viagem assustadora, enquanto Michael Jackson e sua parceira de dança, interpretada por Ola Ray, encontram-se em uma noite aparentemente inocente que rapidamente se transforma em um pesadelo.
O clipe é uma festa visual, com coreografias icônicas que se tornaram parte integrante da cultura pop. De passos de dança precisos a movimentos sinistros que parecem desafiar a gravidade, Michael Jackson nos leva em uma jornada através da escuridão com maestria. Sua performance cativante e energia contagiante são verdadeiramente hipnotizantes.
No entanto, é a cinematografia que verdadeiramente o eleva a um patamar superior. Cada cena é meticulosamente elaborada, desde as sombras sinistras que dançam nas paredes até os zumbis aterrorizantes que emergem da escuridão. A habilidade de Landis em criar uma atmosfera de suspense é incomparável, mantendo-nos à beira de nossos assentos do início ao fim.
Além disso, apresenta um dos momentos mais icônicos da cultura pop: a transformação de Michael Jackson em um lobisomem. Este momento de pura magia cinematográfica é uma prova do talento e criatividade envolvidos na produção deste clipe lendário.
Mais do que apenas um vídeo musical, é uma experiência que transcende gêneros e gerações. É uma celebração do talento de Michael Jackson, do poder da música e do fascínio eterno pelo desconhecido. O vídeo nos envolve com a magia do terror e pela genialidade artística de um dos maiores artistas de todos os tempos.
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Fonte: Rolling Stone
